ARTES VISUALES DE GUATEMALA:
Guatemala es la capital de C.A por excelencia. Sus estructuras surgieron debido a los impuestos dados por el pueblo lo que enriquece la belleza visual de todo el lugar. Se convirtió en el estado mas rico de C.A. debido a los ingresos y herencia cultural que posee.
Uno de los lugares mas importantes de Guatemala seria El Tikal que también es conocido como la capital del imperio maya; la Civilización Maya tuvo lugar desde el 800-900 a.c. hasta aproximadamente el 900 D.C., periodo en el cual levantaron más de 60 centros urbanos repartidos a lo largo de todo el territorio que dominaron el cual se extendió desde el sur de México (la llamada región de Yucatán), Belice y Guatemala hasta el extremo oeste de las actuales Honduras y San Salvador.
Este vasto territorio fue dividido políticamente en 5 áreas, teniendo cada una de ellas un centro administrativo principal donde se tomaban las decisiones que afectaban al resto de ciudades de su zona. Estos 5 centros gubernamentales fueron Copán (en la actual Honduras), Caracol(en Belice), Calakmul y Palenque (en México) y Tikal (en Guatemala) que está considerada por los arqueólogos como la capital de todo el mundo Maya no sólo por ocupar la posición más centrada dentro del territorio maya, sino también porque es la ciudad que posee las estructuras más grandes e importantes de todo el imperio.
Tikal, cuyo nombre en maya significa “en la laguna”, se sitúa en el norte de la actual Guatemala, dentro de la región llamada El Petén, un enorme área que cuenta con más de 21000 km2 de bosque tropical (casi igual que el tamaño del país vecino, Belice) donde se encuentran escondidas, además de Tikal, las ruinas o vestigios de casi la mitad de los más de 60 centros mayas que existieron, convirtiéndose así El Petén en el corazón del Imperio Maya y en parada obligatoria para todo aquel que quiera conocer en profundidad acerca de esta civilización.
Este vasto territorio fue dividido políticamente en 5 áreas, teniendo cada una de ellas un centro administrativo principal donde se tomaban las decisiones que afectaban al resto de ciudades de su zona. Estos 5 centros gubernamentales fueron Copán (en la actual Honduras), Caracol(en Belice), Calakmul y Palenque (en México) y Tikal (en Guatemala) que está considerada por los arqueólogos como la capital de todo el mundo Maya no sólo por ocupar la posición más centrada dentro del territorio maya, sino también porque es la ciudad que posee las estructuras más grandes e importantes de todo el imperio.
Tikal, cuyo nombre en maya significa “en la laguna”, se sitúa en el norte de la actual Guatemala, dentro de la región llamada El Petén, un enorme área que cuenta con más de 21000 km2 de bosque tropical (casi igual que el tamaño del país vecino, Belice) donde se encuentran escondidas, además de Tikal, las ruinas o vestigios de casi la mitad de los más de 60 centros mayas que existieron, convirtiéndose así El Petén en el corazón del Imperio Maya y en parada obligatoria para todo aquel que quiera conocer en profundidad acerca de esta civilización.
La zona arqueológica de Bonampak es un sitio maya del período clásico, aunque probablemente estuvo ocupada desde un poco antes. Su auge se registró entre el 650 a 850. Fue subsidiaria de Piedras Negras, en el siglo VII y más tarde aliada a Yaxchilán, gracias a su Ajaw Chan Muwan, el cual se casó con una princesa, probablemente hija de Itzamná Balam III. Se suele decir que la zona arqueológica fue descubierta por Giles Healy y Mateo Bolívar, en abril y mayo de 1946, quienes fueron informados por los indígenas lacandones, llegando varias veces a la zona, cuando se dirigían a realizar cultos en los edificios de la ciudad. Sin embargo, como en muchos otros casos, los indígenas ya conocían la localización del sitio, y el hallazgo se atribuye hoy a dos de ellos: José Pepe Chambor y Acasio Chan.2
En Bonampak existen varios edificios de mediano tamaño, que circundan la plaza central; algunos de éllos poseen estelas muy bien labradas. Sin embargo, debe su fama a los murales que se localizan en uno de sus edificios, conocido con el nombre de Templo de los Murales, aunque su nombre técnico es Estructura 1. Se trata de un edificio con tres cuartos, completamente pintados, del periodo clásico, ya conocido por su cerámica y otros ejemplos menores.
En 1948, se realizó una expedición del Instituto Carnegie y del Instituto Nacional de Antropología e Historia. Las paredes fueron limpiadas con queroseno, que volvió temporalmente transparente el recubrimiento y las pinturas fueron fotografiadas extensivamente.
En 1996 comenzó el Proyecto de Documentación de Bonampak (en inglés, The Bonampak Documentation Project), coordinado por un equipo de investigadores de la Universidad de Yale. Este proyecto incluye la realización de un estudio más detallado, nuevo rescate fotográfico y la reproducción de los murales.3
Desde 1990, el proyecto La pintura mural prehispánica en México, del Instituto de Investigaciones Estéticas (Universidad Nacional Autónoma de México), se dedica al registro y estudio de los murales precolombinos, como los de Bonampak donde, en 1997, Ernesto Peñaloza, como parte del trabajo de dicho proyecto, fotografió por primera vez en su totalidad los tres cuartos pintados. Con este material, se realizaron los tres desplegados que muestran los murales completos. Estas imágenes y los resultados de las investigaciones multidisciplinarias, dirigidas por Beatriz de la Fuente y coordinadas por Leticia Staines, forman parte de los dos tomos dedicados a Bonampak (catálogo y estudios), de la serie La pintura mural prehispánica en México, publicada por la UNAM.
PINTURAS:
Las pinturas datan del año 790 y fueron realizadas en una compleja técnica donde, sobre un enlucido fresco de cal, se aplicaron los pigmentos en un medio de agua cal (lechada), mezclado con un aglutinante orgánico. Los murales muestran la mano de un maestro que trabajó en compañía de, por lo menos, dos ayudantes. Los tres cuartos muestran una serie de eventos de su actualidad, con gran realismo. El primero representa una procesión de sacerdotes y nobles. Una orquesta toca trompetas de madera, tañe tambores y toca otros instrumentos, mientras los nobles charlan entre sí. El segundo cuarto muestra una escena de guerra, con prisioneros a los que les son arrancadas la uñas de los dedos de las manos, sentados ante el Señor Chan Muwan de Bonampak. Se presume que los prisioneros eran preparados para el sacrificio humano. El tercer cuarto muestra una ceremonia con bailarines, ricamente ataviados y usando máscaras de dioses y a la familia gobernante punzándose la lengua con agujas de maguey, hasta hacerla sangrar, en uno de los muchos tipos de sacrificio que practicaban los mesoamericanos. La escena está acompañada por fechas numerales y los nombres de los participantes en la ceremonia.
Mary Miller, profesora de la Universidad de Yale, quien dirige el extensivo estudio de los
murales, escribió que "probablemente, ningún artefacto antiguo del Nuevo Mundo ofrece una compleja visión de la sociedad prehispánica, como las pinturas de Bonampak. Ningún otro trabajo, relacionado con los mayas, nos acerca a la vida de la corte con tan gran detalle, lo que hace de Bonampak y sus murales un recurso sin paralelo, en la comprensión de la sociedad antigua.
LIENZO DE QUAUHQUECHOLLAN
Las artes visuales de Guatemala inician en la época precolombina con el lienzo de Quauhquechollan es una pintura náhuatl del siglo XVI, en la que los indígenas
quauhquecholtecas dejaron plasmada su visión de la conquista española. En 1520 los habitantes de la comunidad náhuatl de Quauhquechollan se aliaron con Hernán Cortés y participaron después como co-conquistadores en las campañas militares de los españoles, a cambio de ser liberados de la opresión mexicana.
El término lienzo se utiliza para definir un tipo de pintura en tela que utilizaban los indígenas de Mesoamérica para transmitir información. Formaba parte de un sistema que combinaba narraciones orales con imágenes pictográficas. Los símbolos estilizados eran estándares acordados y comprendidos por los habitantes de las distintas sociedades. En idioma español, la palabra lienzo significa paño de tela.
ÉPOCA COLONIAL (300 años)
En antigua Guatemala surge la arquitectura colonial junto a los retablos, iglesias la religión católica, los reyes y autoridades locales.
La primera universidad de Centroamerica fue "San Carlos".La Universidad de San Carlos en Santiago de Guatemala fue la principal casa de enseñanza de estudios superiores durante todo el periodo colonial de Centroamérica, a ella acudían mayoritariamente los hijos de las élites a realizar sus estudios.
En el siglo XIX surgen los primeros maestros que ayudarían al arte guatemalteco, entre estos se encuentran:
*Justo de Gandarias
*Santiago González
Las influencias de la pintura guatemalteca son:
* Pierre-Auguste Renoir
* Edgar de Gas
* Édouard Manet
* Oscar-Claude Monet
Ya en el siglo XX Parecen los siguientes precursores que levantaron los intereses en las bellas artes de Guatemala. Entre ellos se encuentran:
JAIME SABARTES:
Jaime o Jaume Sabartés Gual (1881-1968) fue un poeta español. Nació en Barcelona, España. Con el seudónimo de Jacobus Sabartés, escribe prosas y poemas, y colabora en la revista Joventut. Estudiante en la Llotja, asiduo de Els Quatre Gats, forma parte, en Barcelona y en París, del grupo de Pablo Picasso, a quien conoce desde 1899, y con el que le unirá una gran amistad a lo largo de toda la vida. Sabartés es un propagandista entusiasta de la obra de Picasso.
Vivió en Guatemala de 1904 a 1927. En Guatemala se vinculó con artistas como Carlos Valenti, Carlos Mérida, Humberto Garavito, Rafael Yela Günther, Rafael Arévalo Martínez, entre otros. Fue el primer maestro de Perspectiva y de Historia del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de ese país centroamericano. Publicó artículos de prensa, crítica literaria y libros sobre la Guatemala del presidente Estrada Cabrera, además de escritos sobre el arte de Picasso.
CARLOS VALENTI:
Carlos Mauricio Valenti Perrillat (París, Francia, 15 de noviembre de 1888 - 29 de octubre de 1912), fue un pintor francés que vivió una parte de su vida en Guatemala, a donde llegó con sus padres siendo un niño. Artista dotado de innegable talento, quien a pesar de las represiones morales y los convencionalismos de una época guatemalteca perfilada por una dictadura (Manuel Estrada Cabrera), logró desarrollar en su corta vida una de las obras más importantes para la historia del arte del siglo XX. Es considerado el pionero del Arte Moderno guatemalteco.
CARLOS MERIDA:
Carlos Mérida (Quetzaltenango, Guatemala, 2 de diciembre de 1891 - Ciudad de México, 21 de diciembre de 1984) fue un pintory escultor guatemalteco, naturalizado mexicano. Formó parte del muralismo mexicano, pero desde una perspectiva abstracta y geométrica, a diferencia del estilo narrativo y figurativo de los grandes maestros de dicha corriente, integrando arte plásticodentro de la arquitectura en una fusión permanente entre los cánones occidentales del arte y elementos del arte mesoamericano. Su vida creativa se desarrolló entre Guatemala y México. Su hija fue la destacada bailarina de ballet y coreógrafa Ana Mérida.
ACADEMIA DE BELLAS ARTES (1920)
La Academia de Bellas Artes fue fundada el 10 de mayo de 1920, durante el mandato del presidente Carlos Herrera y se debió en gran medida al entusiasmo político y cultural que siguió al derrocamiento de Manuel Estrada Cabrera, en abril de ese año.
Su fundación se debió principalmente a Rafael Rodríguez Padilla, con la ayuda de Jaime Sabartés y Hernán Martínez Sobral; esta iniciativa también estuvo apoyada por el Doctor Manuel Arroyo Arévalo, Primer Ministro de Instrucción Pública del nuevo gobierno.
La Academia comenzó a funcionar en julio de 1920 “en una sala del Edificio de la Asamblea…” (actual Congreso de la República). Después se trasladó a un gran salón en la parte delantera de la misma Asamblea; se habilitó la energía eléctrica y se incrementó el mobiliario: caballetes, pedestales, armarios, mesas; también se pidió al extranjero esculturas y relieves que reproducían obras del arte europeo. Se instauró la Escuela Nocturna de Dibujo Lineal (Escuela Preparatoria de Arquitectura) anexa a la Academia, ya que no existía ninguna institución dedicada a la enseñanza de la arquitectura.
En 1947, durante el gobierno del Dr. Juan José Arévalo Bermejo se le cambió el nombre de Academia a Escuela Nacional de Artes Plásticas y el 7 de mayo de 1990, se amplía el nombre a Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla”, como un homenaje a su fundador.
RAFAEL RODRIGUEZ PADILLA:
Pintor y Escultor guatemalteco. Fue fundador y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes conocida ahora como Escuela Nacional de Artes Plásticas, que lleva su nombre. Entre sus obras más conocidas se encuentran los monumentos dedicados a José Milla y Vidaurre, Francisco Vela, Luis Pasteur y Lorenzo Montúfar y Rivera.
Entre sus obras más conocidas se encuentran los monumentos dedicados a José Milla y Vidaurre, Francisco Vela, Luis Pasteur y Lorenzo Montúfar, que hizo junto con el español Cristóbal Azori. Hizo además un mausoleo para la familia Castillo, en el Cementerio General.
Entre sus obras pictóricas sobresalen su autorretrato, el retrato de Jaime Sabartés y la obra Desnudo.
Fue fundador y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes conocida ahora como Escuela Nacional de Artes Plásticas, que lleva su nombre.
En España conoció la obra del impresionista Joaquín Sorolla, la cual influiría en la mayoría de su producción pictórica. Aunque el impresionismo era ya un estilo que había dejado de tener vigencia en Europa, profesó una profunda admiración por el artista español, cuya huella puede percibirse en toda su producción pictórica. Retornó a Guatemala en 1916.
Su pintura tuvo variadísimos cambios, todos aplicados con maestría. Su primera época, antes de su viaje a España, se caracteriza por pintura de tonos obscuros. Posteriormente, como gran colorista, supo imprimir a sus obras matices y atmósferas de extraordinaria luminosidad, especialmente en los retratos de diferentes personalidades de la época. De sus obras más características se encuentran Desnudo en escorzo, Desnudo del reflejo, Retrato de Jaime Sabartés, Retrato de Dr. Manuel Morales, Retrato de Juana Padilla (premio Centroamericano de pintura), Retrato de Eduardo de La Riva y Retrato de Adalberto Saravia.
Participó en varias exposiciones colectivas. Obtuvo el Premio Nacional en 1920 y el primer premio en pintura en la Exposición Centroamericana del 15 de septiembre, en 1921.
ROBERTO GONZALEZ GOYRI: (GENERACION DE 1940)
Nació el 20 de noviembre de 1924 en Ciudad de Guatemala, Guatemala. A los catorce años ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes desde donde, al terminar sus estudios, y gracias a una beca gubernamental, completó su formación en el Arts Students League y Sculpture Center de Nueva York. En 1957, asumió la dirección de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y contribuyó a su reorganización con el respaldo de un proyecto de Dagoberto Vásque.
Expuso en España, Estados Unidos, Ecuador y Nicaragua, encontrándose obra suya en el Moma de Nueva York y en el Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida de Guatemala. Entre sus obras públicas destacan el mural Monumento a Tecún Umán, el mural en el Museo de Arqueología y Etnología y los del Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, Crédito Hipotecario, y del Banco de Guatemala. En 1942-1945, trabajó en los vitrales del Palacio Nacional.
Su pintura era de rico colorido y delicados efectos, en composiciones de gran variedad formal, tonal y de textura. Su estilo era figurativo abstracto y en cuanto a sus técnicas, destacaban el óleo, pastel, acuarela y especialmente acrílico.
Su escultura, por otro lado, se caracterizó por la sintetización de figuras humanas y sus técnicas eran la fundición en bronce y concreto, metal directo, talla en madera, piedra y mármol.
JUAN ANTONIO FRANCO:
Pintor de nacionalidad guatemalteca en 1963 abandona sus estudios en la Escuela Nacional de Agricultura, fue entonces cuando ingreso a la entonces nombrada Academia de Bellas Artes en la cual estudió hasta 1941. Fue discípulo de Rafael Yela Ghünter, Ovidio Rodas Corzo, Enrique Acuña y Antonio Tejada. De 1940 a 1942 formo parte de la generación del 40.
Con el propósito de aprender la técnica de la pintura mural fresco, viajo a México en 1942. De 1943 a 1945 logra trabajar como ayudante del pintor mexicano Diego Rivera, en la realización de murales al fresco en el palacio nacional. También perteneció al taller de Gráfica popular, donde realizó algunos grabados bajo la tutela de Leopoldo Méndez y Pablo O´Higgins. En 1947 forma parte del equipo de ayudantes del pintor José Clemente Orozco en la realización del mural al aire libre sobre concretos en el auditorio “Auro Aguirre” de la escuela Normal para Maestros del Distrito Federal.
En 1949 el presidente Juan José Arevalo le encargo pintar dos murales al fresco en la Escuela Federación de Mixco. Viaja a Italia en 1950 por una beca que se le fue otorgada por un concurso. En Florencia realizó investigaciones sobre restauración de obras de arte en la galería uffzi y la academia Brera.
Asistió a cursos de museología en la escuela del museo de Louvre. Estuvo en Guatemala de 1953 a 1955, y regresó a México, donde trabajó en la restauración de murales de los pintores Rivera y Orozco en Ciudad de México, Chapingo y Guadalajara. Retornó a Guatemala en enero de 1961 y trabajó hasta 1964 como catedrático de Arte en la Universidad Popular.
En 1954 participó juanto Dagoberto Vásquez en la Bienal de Venecia de 1950, en 1954 participó en la “Mostra de Bianco e Nero” en Suiza, en 1958 en la Bienal de México. En 1979 ganó el primer premio en el certamen Centroamericano 15 de Septiembre y en 1980 el segundo lugar del certamen Arturo Martínez, de Quezaltenango.
RODOLFO ABULARACH:
Pintor, grabador y escultor guatemalteco, nació en 1933 Estudió en Guatemala y Estados Unidos ha ganado importantes premios como por ejemplo uno de dibujo en la V Bienal de Saou Paulo en 1959, otro en la universidad de Nueva York (1961) y en Colombia (1967).
Ha presentado exposiciones individuales en Estados Unidos, Alemania, Puerto Rico, Colombia, Venezuela, México, Ecuador, Suecia; Panamá; Bolivia y Chile. Son famosas sus series de ojos y volcanes. Rodolfo aborda y explora intensamente el tema del ojo humano como expresión primordial de su trabajo artístico y consigue, con ese aparentemente simple recurso llamar la atención a un estilo propio y a las posibilidades plásticas y comunicativas del tema.
RINA LAZO:
Pintora guatemalteca, nació en 1923 y realizo sus estudios en Guatemala, en 1943 en la Escuela de Bellas Artes. Obtuvo una beca en el ministerio de educación de Guatemala para conseguir estudios de pintura en México. Fue en México donde logro estudiar en la escuela Esmeralda donde la colocaron como ayudante de Diego Rivera.
César Izquierdo (Santa Cruz del Quiché, Quiché, Guatemala, 18 de abril 1937 - Guatemala 30 de enero 2015) fue un pintor y dibujante guatemalteco que exhibió sus obras en más de una docena de países del mundo, tanto en exposiciones individuales como colectivas (Elías, 2015).
Izquierdo fue hijo de Marcos Izquierdo y María Echeverría. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala y en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Nicaragua (Elías, 2015).
Exhibió sus obras en museos de España, Holanda, Francia e Italia y fue profesor de dibujo, pintura y anatomía en Guatemala, además de ser director de arte de agencias publicitarias (Díaz Castillo, 2010).
Su estilo era expresionista y dentro de sus técnicas estaban la plumilla, la tinta, el lápiz y el pastel. En cuanto a sus temas, sobresalen la figura humana y la libre creatividad (Móbil, 2002).
En cuanto a distinciones y reconocimientos, recibió una beca de estudios en el centro de estudios antes mencionado de Nicaragua y ganó el premio Silvio Miranda en el país centroamericano, otorgado por Diners Club Internacional. También tiene dentro de su hoja de vida exposiciones personales y colectivas en casi todos los países de Centroamérica, Estados Unidos, Alemania, Italia, Bélgica y Estonia. Izquierdo vivió varios lustros en Nicaragua (Díaz Castillo, 2010).
GRUPO VERTEBRA
(Rechazan los academico, Revolucion Cubana)
Los miembros del grupo vertebra: Elmar Rene Rojas, Marco Augusto Quiroa y Roberto Cabrera. El Grupo Vértebra fue una asociación de artistas plásticos, fundado en 1969, que representó una vertiente de la plástica guatemalteca que se enfocaba en transmitir en la realidad de Guatemala.
Los seguidores del Grupo Vértebra fueron Roberto Cabrera, Elmar René Rojas, Marco Augusto Quiroa, Ramón Ávila Enrique Anleu Díaz, Magda Eunice Sánchez y Óscar Barrientos. Su principal objetivo era el de reforzar el compromiso social de los artistas y motivarlos a realizar un arte testimonial, así como buscar nuevos públicos, nuevos medios y nuevos mensajes.
Roberto Cabrera, el ideólogo de Vértebra, deseaba plasmar aspectos de la historia de la identidad guatemalteca, la fusión entre lo indígena y lo español. Estos temas los desarrolla más en la década de 1970, cuando su pintura critica la visión esteticista que se había tenido de la sociedad indígena: resalta su colorido, pero ignora la situación de exclusión en la que vive este grupo.
Los artistas que formaban el grupo Vértebra tenían intercambio de ideas con otros artistas académicos, autodidactas y populares. Uno de los amigos del grupo fue Francisco Tun, autodidacta, quien tuvo éxito en los años 70. Tun era de familia indígena. Su obra refleja las contradicciones de la vida urbana, principalmente en una época en la que se iniciaba la industrialización del país (Asies, 2004).
El arte de Tun muestra trazos sencillos, colores planos, ausencia de volumen y de perspectiva, pero en un conjunto exhibe una composición refinada que impide clarificarlo como una obra estrictamente naïf.Los miembros del grupo vertebra junto a Carlos Merida a quien consideraban su referente artístico y de quien se afirmaban herederos creativos.
MARCO QUIROA
Marco Augusto Quiroa (Suchitepéquez, 1937 - 31 de octubre de 2004) fue un pintor, grabador, escultor, diseñador gráfico, narrador y escritor, que destacó en esta última categoría en la rama de cuento, en la que obtuvo diversos premios, aunque sin alejarse de sus otras habilidades artísticas.
El artista estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas -ENAP- a mediados de la década de 1950. Fue miembro fundador de la Asociación de Estudiantes de Artes Plásticas. En 1983 tomó posesión de la dirección de la ENAP y dejó el cargo en febrero de 1986. Durante su administración impulsó la creación de la Coordinadora de Estudiantes de Artes Plásticas. También fue fundador del Grupo Vértebra y fundador de la Galería d'Quiroa.
ELMAR ROJAS
Elmar Rojas (Elmar Rene Rojas Azurdia), nació en Guatemala, en el año 1942. Reconocido artista Guatemalteco, practicaba arquitectura antes de estudiar arte en Guatemala, España, Francia e Italia. Fundador del Ministerio de Cultura de Guatemala (Guatemala Centro América) en 1986; es protagonista de cientos de exposiciones en las principales ciudades del mundo. Su arte es conocido por expresar el "Realismo Mágico" ó "Realidad Maravillosa". Sus premios internacionales incluyen el Gran Premio Iberoamericano "Cristóbal Colón", presentado en Madrid, España, entregado por el Rey Juan Carlos de Borbon de España. Elmar Rojas es uno de los de los artistas más importantes de América Latina, también es reconocido como gran promotor de cultura y uno de loas más internacionales de Guatemala, su energía para la difusión del arte de su país es incansable.
GALERIA IMAGINARIA:
ISABEL RUIZ
Ruiz estudio arte en la Universidad Popular de Guatemala de 1964 a 1968. Es maestra en arte, con especialidad en Artes Plásticas. Estuvo ligada a la galería Imaginaria desde su fundación en 1986. Dicha experiencia fue decisiva para que su obra alcanzara reconocimiento a nivel internacional y desarrollara otros lenguajes. Su arte lo desarrolló en el grabado y la pintura fundamentalmente, pero se fue apropiando de un modo de hacer más contemporáneo. Ha combinado su carrera artística con la enseñanza creativa. También ha ilustrado libros y ha sido jurado de certámenes dentro y fuera de Guatemala. Le gusta trabajar en proyectos de creación colectiva e intercambiar ideas, lo que la ha llevado a contribuir a la realización de obras de cine y danza contemporánea.
Fotografos reconocidos de Guatemala:
LUIS GONZALEZ
Luis González Palma (nacido en Ciudad de Guatemala, Guatemala en 1957) es un fotógrafo guatemalteco. Nació en Guatemala en 1957 pero vive y trabaja en Córdoba, Argentina. González Palma se crió en Guatemala, en donde estudió arquitectura y cinematografía en la Universidad de San Carlos. Es reconocido como uno de los más importantes fotógrafos de América Latina.
Adquirió su primer cámara fotográfica en 1984, lo que despertó profundamente su entusiasmo al ver los resultados. Desde entonces se abocó a aprender cómo manipular fotografías para tener un resultado impactante y poder capturar la realidad de los originarios guatemaltecos; a la vez, logró que sus fotografías se asemejen a pintura artísticas. En sus trabajo se puede ver el alma y el sufrimiento y también describe las experiencias de la población indígena guatemalteca. Las fotos de Palma hablan por sí solas del sufrimiento, del dolor y alegría de las personas que retrata en ellas; no sólo son simples fotografías: se puede decir que son imágenes que capturan la cultura del pueblo.
DANIEL CAUCHE
Nacio 9 de septiembre de 1951.
Fotógrafo de arte. Nació franco-estadounidense, de padre francés y madre estadounidense. Aunque inicialmente estudió Zoología, descubrió su verdadera vocación en la fotografía. Hizo estudios de la especialidad en la Universidad de Florida, donde, en 1979, obtuvo el master en Bellas Artes y de la cual fue catedrático. Estableció el estudio fotográfico The Personal Image entre 1980 y 1983.
Había llegado por primera vez a Guatemala en 1975 hasta 1977, y en esa época vivió en San Juan Sacatepequez, cuando comenzó a recorrerlo y conocerlo a profundidad. Se establecería definitivamente en este país en 1983, en Antigua Guatemala. Como fotógrafo ambulante, desde la perspectiva supuesta de un hombre común, retrata en las plazas a quien desee fotografiarse. En 1987, como consecuencia de este trabajo, produce su famosa serie "Sobre fondo blanco". Más de dos décadas trabajando en el seno de esas diversas comunidades del país, hacen que su obra refleje la auténtica identidad de estos pueblos.
Situación actual: Artista, Maestro & Propietario del estudio «Chez Daniel S. A.», donde produce proyectos de fotografía documental y consultación en proyectos para diseminar la fotografía en Guatemala.
ARNOLDO RAMIREZ AMAYA
Arnoldo Ramírez Amaya (26 de noviembre de 1944-) es un pintor, grabador, escultor y escritor guatemalteco. Fue muralista de la Ciudad Universitaria de la Universidad de San Carlos de Guatemala y también escribió diversos libros, incluído Sobre la Libertad, el Director y sus Perros Fieles, con prólogo de Gabriel García Márquez.
Ramírez Amaya estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas a mediados de los años sesenta. Fue uno de los más imaginativos y prolíferos pintores guatemaltecos. Fue cofundador y miembro activo de la revista Alero -de la Universidad de San Carlos de Guatemala en 1970- y de El Pájaro Sobreviviente -en 1975.
Internacionalmente, representó al arte plástico guatemalteco con su obra en grabado en Lieja, Bélgica. Destacó también en Guatemala como muralista con su obra, en 1973, en la Ciudad Universitaria, en la zona 12 de la ciudad de Guatemala.
LUIS CARLOS LEON (Escultor Guatemalteco)
Carlos nació en la segunda mitad del siglo XX. Recuerda su paso por el Liceo Javier y lo lejos que estaba, en aquellos años, de su futura carrera en el ámbito de la escultura. Después de ejercer dos o tres oficios, descubrió la magia de modelar con arcilla y su habilidad para las formas tridimensionales. Y así, nace el escultor idealista, que encuentra en la fundición del bronce su vocación como ejecutor de grandes proyectos escultóricos propios y ajenos.
En 1889, Carlos fundó la Galería Plástica Contemporánea, dirigida por Carmen Albacete, con la visión de traer a Guatemala propuestas de arte hispanoamericano y ofrecer un espacio a los artistas nacionales y trabajar en la divulgación cultural para contribuir con la valoración de las artes plásticas en país. Publicó un boletín informativo para formar criterios sobre el arte moderno y fortalecer las interpretaciones propias del público.
Luis Carlos no se conformó con exponer lo mejor del arte visual guatemalteco de esos años. Con pasión, empeño, invirtiendo tiempo y dinero, sin temor al riesgo o a la crítica, trajo a Guatemala grandes exponentes de trayectoria mundial, tanto en pintura como en escultura. El espacio vino a llenar un vacío que se hacía sentir en el campo de la divulgación de la plástica internacional.
DIANA FERNANDEZ
Desde sus primeros años de vida, la creatividad le permitió crear y producir cosas nuevas y valiosas y en su materialización Diana Fernández mostró su amor e inclinación por la escultura. Plasmar una idea, un concepto un sentimiento y formas de expresión es y ha sido su pasión así como el toque de femineidad en cada una de sus esculturas dimensionales, las cuales ha elaborado a lo largo de su carrera.
Sus habilidades han sido innatas, la artista debe su formación a la Escuela Nacional De Artes Plásticas, estudios de esculturas en el taller Cabrera con el reconocido escultor Arturo Tala García en Guatemala su país natal Estudios de arqueología en la Universidad del Valle de Guatemala y Escultura con Guayo de León en Paris, Francia, Academia “Port Royal” con Claude Shure, dibujo de desnudo así como Curso de Damasquinado en Toledo, España entre otros.
Su trayectoria artística ha sido galardonada tanto a nivel nacional como internacional recibiendo el Premio Único en escultura en el certamen de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Segundo lugar en el certamen “15 de septiembre”, Mención Honorífica Bienal de País, Medalla a la Artista Destacada en Artes Plásticas, Societa Dante Alighieri, Artista Revelación del año, Fundación Rosas Botrán, 2011, 2012, reconocimiento a artistas destacadas en el Festival Ixchel, arte de mujer.
ARTES VISUALES COSTA RICA
FADRIQUE GUTIERREZ
Nació en Heredia el 7 de setiembre de 1841. A los quince años recibió su diploma de Bachiller en Filosofía, en la Universidad de Santo Tomás.
Fue un científico frustrado: le atraían la Física y la Química.
Aprendió a esculpir con el italiano Francesco Fortino y, a pintar, con el francés Achiles Bigot. En pintura se dedicó al retrato, pero sus obras permanecen extraviadas.
Hacia 1858 fue expatriado por causas políticas. Viajó al El Salvador y a Guatemala. En el último país se interesó por perfeccionar la imaginería. También cursó estudios de arquitectura y agrimensura.
A su regreso a Costa Rica en 1860 y hasta 1870, esculpió varias imágenes en piedra. "San Pablo", "San Pedro", " San Juan de la Cruz", " San Simón Stok", la " Virgen del Carmen, " Neptuno, " Venus ", y otras destruidas después por sismos. Ejecutó en madera policromada, a la manera guatemalteca, más imágenes: "San Roque" (Iglesia de San Roque de Heredia), "San Isidro Labrador" (Iglesia de San Isidro de Heredia); algunos púlpitos y sagrarios. Una custodia suya causó sensación por su audaz desnudo. En arquitectura: el Fortín de Heredia es un testimonio, lo mismo que la cúpula de la catedral de Alajuela.
A raíz de su participación en el golpe de estado del 27 de abril de 1870, con Tomás Guardia Gutiérrez, se le despertó la ambición de mandar en el país. Sus proezas revolucionarias le llevaron nuevamente al exilio en 1885.
A su regreso, en 1892, enseña el arte de la imaginería a Miguel Ramos, y participa en la campaña política como líder del Partido Agrícola. En Esparta, donde reside sus últimos años, se autoproclama Presidente de la República.... Muere el 5 de febrero de 1897.
Su prestigio como escultor es reciente. En vida se le tuvo como 'santero'. El interés que ha surgido alrededor de su vida se debe, primordialmente, a la sabrosa biografía que escribió de él Luis Dobles Segreda. También, al hecho de haber sido el precursor de la escultura costarricense contemporánea: utilizó la piedra, cual si quisiera indicar a los futuros artistas que esa es la verdadera materia de la escultura americana.
MUSEOS DE COSTA RICA
MUSEO DE ORO
El Museo del Oro Precolombino “Álvaro Vargas Echeverría”, llamado simplemente Museo del Oro Precolombino o Museo del Oro, es un museo histórico, arqueológico y cultural ubicado en San José, capital de Costa Rica.
El Museo del Oro Precolombino posee una extraordinaria colección de objetos elaborados en oro, los cuales reflejan la cosmovisión, la estructura social y la orfebrería de los pueblos precolombinos que ocuparon el actual territorio costarricense. La exhibición muestra el uso y la función de las piezas, la tecnología, así como la relación con la naturaleza y la vida diaria de estos grupos humanos.
Los artesanos precolombinos residentes en la zona que actualmente es Costa Rica, trabajaron el oro nativo de procedencia aluvial, el cual se obtenía de las arenas de los ríos y las riberas de las costas, y se lavaba en bateas de madera. El arte del trabajo de los metales requería una habilidad particular, un aprendizaje largo y complicado, que realizaban especialistas a tiempo completo.
La colección del museo está constituida por 1600 piezas de oro precolombino que datan desde el año 500 hasta 1500 de nuestra era. Contiene también objetos precolombinos elaborados en cerámica y piedra, procedentes de distintas regiones geográficas del país: vasijas en formas diversas, objetos, estatuas y utensilios en piedra, utilizados en la vida cotidiana y ceremonial de los pueblos.
MUSEO DEL JADE
El Museo del Jade y de la Cultura Precolombina, llamado simplemente Museo del Jade, es un museo histórico, cultural y arqueológico ubicado en San José, Costa Rica, perteneciente al Instituto Nacional de Seguros (INS). Resguarda una colección arqueológica conformada por una amplia gama de artefactos de cerámica, hueso, madera, concha y piedra como estatuaria, metates, manos de moler y otros, sin embargo, su principal atractivo es la enorme cantidad de piezas arqueológicas confeccionadas con piedras semipreciosas conocidas en su conjunto como jade, colección considerada como la más grande del mundo con respecto a esta piedra preciosa.
La exhibición del Museo del Jade se divide en seis salas de acuerdo a características histórico-arqueológicas:
Umbral: se encuentra en el primer nivel del museo. Allí se puede observar una pintura mural obra del pintor costarricense César Valverde Vega. También se encuentra un bloque de jade en bruto, que es el icono del nuevo museo. Este espacio presenta el escenario cultural y ecológico donde se desarrollaron las sociedades precolombinas costarricenses que trabajaron el jade. Busca a partir de un efecto museográfico descubrir la maravilla de las piezas de jade, mediante su exposición en una gran vitrina en forma de serpiente, en donde pueden apreciarse los objetos de jade de la colección.
MUSEO NACIONAL (PIEDRA Y MADERA)
El Teatro Nacional es un edificio de arquitectura historicista terminado en el año de 1897. Se le considera uno de los inmuebles más importantes de la historia nacional, y principal joya arquitectónica de la ciudad de San José. Su construcción guarda un profundo significado dado que representa la decisión del costarricense a la hora de emprender acción y de la estabilidad económica (traída por la cosecha de café) y política de la época en la que fue construido. Como institución, el Teatro Nacional promueve la producción de las artes escénicas de alto nivel artístico y conserva para el uso del público varias de las obras de arte más valiosas del país. Ha sido declarado monumento nacional, institución benemérita de las artes patrias y patrimonio histórico-arquitectónico de Costa Rica. La construcción del Teatro Nacional se inició en enero de 1891.
No se escatimaron gastos para la construcción de este teatro. Se utilizaron maderas preciosas en su mayoría provenientes de la provincia de Alajuela, además se importó hierro, mármol, oro y vidrios franceses para los materiales del Teatro. La construcción duró unos seis años (se esperaba que fuese en dos, pero la obra era demasiado complicada para la época). La inauguración oficial fue el 19 de octubre de 1897, con la ópera "Fausto", de Charles Gounod, interpretada por la Compañía Francesa Aubry.
Posee una arquitectura renacentista del más puro estilo neoclásico, con mármoles traídos de Italia y decorado en su interior con escenas de la recolección de café; la más popular de las obras pictóricas del Teatro es un óleo sobre lienzo creado por Aleardo Villa en 1897 conocido popularmente como la "Alegoría del café y el banano", cuyo nombre oficial es "Alegoría del Comercio y la Agricultura de Costa Rica", que describe la vida económica del país en segunda parte del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, basada en el bicultivo de café y banano y el modelo agroexportador. Esta pintura fue reproducida en el billete de cinco colones durante algunas décadas, a finales del 1960.
Las partes más importantes que componen el Teatro Nacional son: la Fachada, el Vestíbulo, la escalera principal, el foyer, y el auditorio.En el interior de la obra arquitectónica se puede apreciar un delicado estilo neo-renacentista con imponentes lámparas de puro cristal y columnas de mármol de Carrara.
PINTORES DE COSTA RICA:
MAX JIMENEZ
Max Jiménez (San José, Costa Rica, 16 de abril de 1900 - Buenos Aires Argentina, 3 de mayo de 1947) fue un escritor, novelista, poeta, periodista, escultor y pintor costarricense.
La pintura de Max Jiménez está bastante relacionada con sus trabajos de escultura, principalmente por la creación de volúmenes muy semejantes y por el uso de la deformación, consciente, en la mayoría de las figuras. Sus temas y figuras son principalmente tropicales y su estilo difícil de clasificar se puede considerar vanguardista.
Empezaron a interesarle las técnicas de grabado en madera y viaja a Estados Unidos a estudiarlas en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1938 comenzó a perfeccionar su técnica del óleo y empezó a innovar con materiales fabricados por él mismo. En 1939 viajó a París donde expuso diez óleos con gran éxito de crítica.
En 1943 viajó a La Habana donde se relacionó con diversos artistas y siguió pintando sus temas tropicales y temas de negros cubanos. Expuso en esta capital 14 óleos.
En 1945 regresó a Costa Rica donde hizo una exposición de 21 óleos, casi todos ya exhibidos anteriormente en Europa y Cuba, pero tiene una pobre acogida entre la crítica de su país.
En 1946 viajó a Chile y poco después a Buenos Aires donde murió en medio de una terrible crisis creadora y existencial.
ENRIQUE ECHANDI
Enrique Echandi Montero (San José 17 de febrero de 1866 –, ibídem, 19 de febrero de 1959) fue un pintor costarricense, famoso ante todo por sus retratos oficiales de presidentes de su país y por la representación no canónica del heróe nacional Juan Santamaría en su cuadro La quema del Mesón.
Después de terminar la primaria, Echandi ingresó en el Instituto Nacional de Costa Rica (años 1870), donde fue alumno de Enrique Twight (1825-1884), que daba clases de acuarela y de quien hizo un retrato al carboncillo, y Enrique Etheridge (1862-1893), que enseñaba dibujo y pinutra al óleo y pastel.
Enrique Echandi viajó en 1886 a Alemania, donde estudió primero en la Academia de Pintura y Dibujo de Leipzig y después en la Escuela de Bellas Artes del Instituto Real de Estudios de Múnich (1888-1891).
GRUPO 8 (LA VANGUARDIA TICA)
Difusor del arte abstracto en Costa Rica. Con la formación del Grupo ocho en 1961, el país enfrento de golpe el arte moderno. Felo García cuenta que la idea de conformarlo le surgió un día en que Néstor Zeledón G. lo fue a buscar dolido para relatarle lo duramente que habían criticado Margarita Bertheau y Francisco Amighetti unas esculturas que pronto iba a exponer, las cuales habían llegado a un punto avanzado de estilización y descomposición de la figura. Esto unido al poco éxito obtenido en su exposición y también en la de Manuel de la Cruz González, realizadas en el Museo Nacional en 1958, lo motivo a reunir a una serie de artistas para luchar contra el medio.
Incorporaron a su cruzada a Luis Daell, Harold Fonseca, Hernán González, Manuel de la Cruz González, Guillermo Jiménez y Cesar Valverde, y en 1962, a Lola Fernández y a Rafael Ángel García, la mayoría de los cuales habían recientemente regresado del extranjero, trayendo consigo inquietudes y nuevas ideas estéticas.
En un documento de carácter vanguardista, escrito por Hernán González a manera de manifiesto y publicado en la revista Brecha del mes de julio de 1961, expusieron entre otras cosas, sus objetivos, uno de los cuales decía así “Queremos engendrar un nuevo movimiento artístico nacional capaz de desarrollar las artes plásticas en sus más variadas manifestaciones. Esta declaración muestra que el interés del grupo apuntaba en general hacia el arte moderno, y no solo hacia la no configuración.
INTEGRANTES DEL GRUPO 8
LUIS DAELL
Luis Ávila Vega (Heredia, Costa Rica, 16 de marzo de 1927—1998), llamado por su pseudónimo, Luis Daell, fue un pintor costarricense, conocido principalmente por sus obras de arte en acuarela. Es uno de los introductores del arte abstracto en Costa Rica durante la década de 1960, como parte del denominado Grupo Ocho.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Costa Rica, siendo discípulo de los connotados artistas Margarita Bertheau, Fausto Pacheco y Teodorico Quirós. Allí, recibió un premio de pintura mural y otro de óleo.
Posteriormente, en la década de 1940, pasó a la Akron Art Institute de Cleveland, Estados Unidos, así como en el John Heagen College de Los Ángeles y en la Universidad de Cornell, lugares donde su pintura evolucionará a otras dimensiones. Fue miembro fundador del Grupo de los Ocho, grupo de artistas que introdujeron el arte abstracto y el arte moderno en Costa Rica a partir de 1961. Junto con Rafael Ángel García, fue uno de los fundadores de la institución que luego sería el Ministerio de Cultura y Juventud de Costa Rica.
Fue profesor del Departamento de Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica. En 1970, siendo director César Valverde Vega, fundó en dicha facultad la carrera de Artes Gráficas. Ese año, su obra Madonna ganó el primer premio en el Concurso de la Estampilla del Ministerio de Cultura. También incursionó en el arte muralista. En el Akron Art Institute, fue profesor de pintura mural. Uno de sus frescos, llamado El mercado, se encontraba en una pared del antiguo edificio de la Facultad de Bellas Artes. Dicha obra de arte fue destruida con la demolición del edificio. En Costa Rica también pinto el mural La piedad, con temática de la Guerra Civil de Costa Rica (1948). Falleció en 1998.
HAROLD FONSECA
Desde los 10 años, el pintor Harold Fonseca sucumbió ante el misticismo y la belleza del arte precolombino.
Hoy, 68 años después, las impresiones de aquel arte sintético, de colores naturales (cafés, verdes y negro) y con gran impacto visual nutren su obra y se mezclan con elementos de influencia europea y afrocaribeña para mostrar su universo creativo: Latinoamérica.
Fonseca, quien vive en Fort Lauderdale (Estados Unidos) desde 1957, presenta, a partir de hoy, la muestra Caminos en la Casa de Cultura Popular José Figueres Ferrer (barrio Escalante)
El artista es integrante del desaparecido Grupo 8, conjunto que revolucionó la plástica nacional al abrir una brecha para los artistas jóvenes e introducir el abstraccionismo al país.
Gracias a su excelencia como ilustrador es contratado por la Organización de Estados Americanos (OEA), donde conoció al historiador y crítico de arte José Gómez-Sicre, quien lo ayudó a realizar su primer exposición individual en 1960 y lo incorpora a la Primera Exhibición de Arte Contemporáneo como representación de Costa Rica.
Después fue diplomático de la OEA en Costa Rica y forma el Grupo 8. "Luis Daell, Felo García, Hernán González, Manuel de la Cruz González, César Valverde, Néstor Zeledón, Guillermo Jiménez y yo estábamos unidos por un mismo propósito: sacar a los artistas de los closets donde estaban metidos", explicó Fonseca.
HERNÁN GONZÁLEZ
Hernán González Gutiérrez (San José, Costa Rica, 31 de diciembre de 1918 - 14 de octubre de 1987) fue un escultor, abogado, agricultor y gerente bancario costarricense. Fue uno de los escultores más importantes de la década de los sesenta en Costa Rica.
Se dedicó a la escultura siendo ya un hombre maduro, a los 40 años de edad. Inició sus estudios en escultura en 1957, en Woodstock (Nueva York), con el escultor estadounidense Harvey Fite. A su regreso, se instaló en la Guácima de Alajuela donde construyó su casa y su estudio.
En sus inicios, se dedicó a esculpir animales, siguiendo la tradición escultórica de 1930. En 1960, entró al medio artístico nacional, produciendo sus obras más significativas. Fue integrante del Grupo 8, generación de artistas plásticos costarricenses que impulsó el arte nacional. Ganó el Premio Nacional de Escultura en dos ocasiones, en 1961 y 1969. Entre 1982 y 1986, fue Ministro de Cultura durante el gobierno de Luis Alberto Monge Álvarez, durante el cual se enfocó en fortalecer la cultura y las artes de cada región de Costa Rica a través de la creación de Casas de la cultura en todas la zonas del país. Bajo el lema "La cultura al encuentro del hombre" pretendió descentralizar el concepto de cultura y estimular la identidad cultural del costarricense
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Falleció en San José el 14 de octubre de 1987.
La escultura de González es de características monolíticas, utilizando como técnica la talla directa en piedra y en madera. Se inició en el tema de la animalística, pero luego orientó su escultura hacia la síntesis de formas y hacia un respeto por la forma original del material con que trabajaba. Tuvo un periodo importante con la temática de la esfera, inspirada en las esferas precolombinas de piedra y en el pensamiento de Pierre Teilhard de Chardin sobre la evolución del hombre. La década del 60 será su etapa más productiva como escultor.
GUILLERMO JIMÉNEZ
Guillermo Jiménez Sáenz (1922-1988) fue un pintor costarricense. Es uno de los iniciadores del arte abstracto en Costa Rica, pues integró, junto a otros siete artistas de su época, el denominado Grupo Ocho, uno de los movimientos artísticos más importantes de la historia del arte moderno de Costa Rica, en la década de 1960. Fue profesor, catedrático y vicedecano de la Escuela de Bellas Artes de Costa Rica, y docente en la Casa del Artista. Su obra se caracterizó por un grado de abstracción muy marcado, al aplicar en sus pinturas una combinación de planos geométricos.
LOLA FERNANDEZ
Inicios y abstracción. Lola Fernández (Cartagena, Colombia, 1926) ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica en la década de 1940; en 1946 viajó a Bogotá para especializarse en pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Colombia, y en 1954 profundizó su conocimiento pictórico en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia.
En esta etapa de formación, su obra fue perdiendo énfasis en la línea y el dibujo cuando los contornos marcados comenzaron a borrarse para dar paso a la mancha pictórica.
La artista siempre tuvo interés por el arte moderno, razón por la cual, en 1958, tras su retorno a Costa Rica, su primera exposición incluyó arte no figurativo. Esta muestra representa –junto con dos exhibiciones individuales de Felo García y Manuel de la Cruz González– los inicios del arte abstracto en nuestro país.
En la década de 1960, su obra abarcó las vertientes figurativa y no figurativa con igual vehemencia, y hay incluso composiciones que pueden calificarse a la vez de abstractas y representativas pues reúnen, sin límites claros, elementos de una y otra condición.
Sin embargo, su obra abstracta –representada por distintas series que llevan los nombres de Serie del río , La violencia , Oriente , Los volcanes y Espacio – fue la que llamó la atención de críticos de la talla de José Gómez Sicre y Marta Traba, quienes le dieron un lugar privilegiado dentro de la plástica latinoamericana como una exponente de la tendencia conocida como “informalismo”. A diferencia de la abstracción geométrica, el informalismo implica una gran libertad técnica y compositiva.
Figuración y más... De forma paralela al desarrollo de sus creaciones no figurativas, Lola Fernández trabajó en los años 60 en distintos grupos de “retratos”, la mayoría de ellos de personajes imaginarios.
RAFAEL ANGEL GARCIA
Rafael Ángel García Picado (Paraíso de Cartago, Costa Rica, 30 de julio de 1928), conocido como "Felo" García, es un pintor, arquitecto y ex-jugador de fútbol costarricense. Se le considera uno de los fundadores de la pintura abstracta en Costa Rica. Por su obra, se le otorgó el Premio Nacional de Cultura Magón en el año 2008. Además, jugó fútbol profesional en Inglaterra, Cuba, Venezuela y Colombia.Interesado en la arquitectura, en 1947 el gobierno de Teodoro Picado, familiar distante, le concedió una beca para estudiar en el Building and Arts de Londres, pero se la retiraron cuando estalló la Revolución del 48.
En 1954 vuelve a Inglaterra becado para continuar sus estudios. Allí encontrará la respuesta a sus inquietudes pictóricas en el expresionismo abstracto, movimiento a través del cual los artistas canalizaron sus sentimientos con obras donde lo importante son los elementos plásticos tales como el color, la línea, las texturas, el espacio y no la realidad objetiva. También formó, junto a otros estudiantes de su misma universidad, el grupo Nueva Visión con la intención de pintar, intercambiar ideas, criticarse y exponer en diferentes lugares.
Posteriormente con otros artistas forma el grupo Ocho, impulsando el arte abstracto y realizando diferentes actividades culturales que llenaron el vacío existente. En esa exposición de 1958 presentó obras relacionadas con el expresionismo abstracto y la pintura matérica, que emplea materiales no tradicionales como arenas, aserrín y yeso. Paralelamente empezó a desarrollar la abstracción caligráfica y gestual propia del "action painting", tendencias en las que se introduce a través del tema de la gran ciudad con sus rascacielos y edificios amontonados. Ya en Bahía dejó de ver ese interés por la pintura gestual, con pinceladas arrastradas y espontáneas y pintura estrellada contra la tela.
MANUEL DE LA CRUZ GONZÁLEZ
Manuel de la Cruz González Luján (San José, Costa Rica, 16 de abril de 1909—22 de septiembre de 1986) fue un pintor y escritor costarricense, conocido principalmente por sus pinturas de arte abstracto, siendo uno de los primeros artistas en introducir el arte contemporáneo en su país. Recibió el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría de pintura en 1963, y el Premio Nacional de Cultura Magón, el máximo galardón de la cultura costarricense, en 1981.
En 1961 fue uno de los fundadores del Grupo Ocho, conformado además por otros cinco pintores (Rafael Ángel García, Harold Fonseca, Luis Daell, César Valverde Vega y Guillermo Jiménez Sáenz) y dos escultores (Néstor Zeledón Guzmán y Hernán González Gutiérrez). La mayoría de sus miembros se habían formado en el exterior, por lo que el Grupo Ocho fue fundamental en el despegue del arte nacional, revolucionando la plástica costarricense con la introducción del arte abstracto, rompiendo de esa manera con el arte clásico que predominaba durante esta época. Dos años después, fue galardonado con el Premio Nacional de Pintura.
En 1964, junto a Carlos Moya, Rafa Fernández y Claudio Carazo, formó el Grupo Taller, al que luego se integraron Teresita Porras, Sonia Romero Carmona y José Luis López Escarré. Estos artistas participaron en múltiples exposiciones tanto en Costa Rica como en el exterior.
Realizó gran cantidad de exposiciones individuales y colectivas en Costa Rica, Cuba, Venezuela y Estados Unidos, entre 1935 y 1986.
Falleció en su ciudad natal el 22 de septiembre de 1986. El Museo Histórico Dr. Rafaél Ángel Calderón Guardia bautizó con su nombre una de sus galerías.
CESAR VALVERDE
César Valverde Vega (San José, 8 de marzo de 1928 — ibídem, 3 de diciembre de 1998) fue un pintor, escritor y abogado costarricense. Además fue planificador, funcionario público y diplomático. Fue uno de los primeros muralistas de Costa Rica e integrante del Grupo Ocho, grupo de artistas costarricenses que introdujeron el arte abstracto en Costa Rica en la década de 1960, lo que generó una revolución artística en el medio nacional. Profesor y luego director de artes plásticas en la Universidad de Costa Rica, fue viceministro de Cultura durante la administración de Rodrigo Carazo Odio (1978-1982), recibió el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría de pintura en tres ocasiones, y escribió varios libros, incluyendo una novela corta. Se le considera uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte costarricense.
Trabajó varios años en la Oficina de Planificación del gobierno costarricense, antes de poder dedicarse de lleno a la pintura a partir de los años 70. Fue profesor de artes plásticas en la Universidad de Costa Rica y fungió como Director de esa escuela a mediados de los años 70.
Falleció por peritonitis en 1998, el mismo año que otros artistas renombrados de Costa Rica como Francisco Zúñiga, Francisco Amighetti y Luis Daell.
GRUPO BOCARACA
En tanto que artistas contemporáneos, inmersos en una realidad concreta, recogen las sensaciones estéticas de su entorno y las plasman en un producto artístico.
Sin duda que cada Integrante del grupo, según su propia experiencia, investigación, ángulo de acercamiento a esa realidad, dominio técnico y constancia, plasma de manera distinta pintura como deleite visual, del color como pigmento que construye la imagen y practica la simplificación de la forma como inspiración en el arte Etrusco y Precolombino, en lo que descubre que el realismo puede expresarse de una manera diferente. Su pintura es una mirada optimista proyectada hacia el paisaje, es futuro, es alegría de vivir.
INTEGRANTES
LUIS CHACON
Dentro de los nuevos conceptos científicos, el color aceptado como energía. Así cada color, cada tono, cada matiz, posee su valor específico de energía. A la hora de pintar hago relaciones cromáticas, con diferentes frecuencias de energía (los colores), y construyo una especie de molécula energética que ensamblada orgánicamente a la totalidad del cuadro, forma una unidad indivisible. Actualmente utilizo una dominante cromática, es decir un color principal al cual responde sonoramente los demás colores por medio de imágenes, la mayor parte de las veces, ingenuas pero cargadas de energía. En resumen, utilizo imágenes agradables para hacer profundas investigaciones en el campo del color.
Luis Chacón aprende de la artista Lola Fernández, la actitud seria frente a la pintura, siendo estudiante en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica. Siendo aún estudiante, comulga con la escuela colorista de Washington, así como con los Logic color painter. En 1976, Chacón parte a París donde trabaja como asistente del artista cinético Carlos Cruz Diez, quien le enseña los secretos del color. Como consecuencia de sus viajes por Italia en 1980, y su paso por la región toscana, descubre la pintura funeraria-etrusca.
Chacón se nutre de lo abstracto integrando el paisaje como tema. Hace uso de especie de dípticos y trípticos con la intención de establecer armonías por contraste (rojo-verde o azul-amarillo) y armonías por analogías (degradación del color). Sobre esta base de colores planos y puros diseña paisajes con una gran libertad empleando líneas y trazos de color, puntos y arabescos, donde ya no importa si el cielo es azul o rojo, verde o rosado.
ANA MARTEN (SAN JOSE, 1961)
Martén posee un gran inventiva para observar, recrear y transformar los elementos característicos de esas culturas y descubrir un mundo mágico, primitivo, mítico y su relación con el hombre y su entorno.
Estos signos-sfmbolos, en las técnicas mixtas, se integran al igual que el hombrea la naturaleza, crea un fluir natural entre magia y naturaleza.
Mientras realiza estudios de pintura en la Escuela de Artes Plásticas en la Universidad de Costa Rica (1980-1985), se interesa (1984-1986), por investigar en las diversas técnicas del textil mediante libros, continuos viajes al exterior, profesores y especialistas en la materia. En esta búsqueda, aprende a hilar algodón, mezclar tintes naturales, a usar telares y a trabajar con el papel hecho a mano, como a tejer plástico, alambre, cabuya y otros materiales poco tradicionales. Esta investigación se complementa por la pasión que siente por los diseños de alfombras persas, diseños textiles coptos, persas, peruanos, cretenses, el arte islámico y africano como por la orfebrería y la cerámica, los telares indígenas y la tecnología contemporánea orientada hacia lo utilitario con calidad en el diseño. En 1984, y paralelamente a esta investigación empieza a realizar sus propios trabajos plásticos, empleando la cera como medio de resistencia el caso del batik, sobre papel y otros soportes. Los colores y formas losobtiene mediante el empleo del óleo compacto, acrílico, gomas y tintes reactivos que tiñen el algodón.
En este sentido, su manera de trabajar se asemeja al proceso que sigue la gráfica y en especial la serigrafía, en tanto, que pinta yendo de los colores claros hacia los oscuros, no siendo esto de ninguna manera una limitante para expresarse de manera espontánea, e intuitiva y sin temor al error. Su temática es y siempre ha sido el mundo que la ha rodeado desde niña, ese mismo jardín donde pinta, poblado de plantas, árboles y agua. Esto es lo que se percibe en su pintura, un mundo de elementos simbólicos, donde nunca hay un arriba y un abajo.
PEDRO ARRIETA (1954, LIMON, COSTA RICA)
En los acrílicos de Pedro Arrieta, por el contrario, la presencia del hombre es tácita, es el ser humano destructor, antropofágico. Sus obras de ayer revelan una mirada nostálgica del paisaje, invadido por el vacío, silencio e inmovilidad: la tierra agredida, masacrada y destruida por hombre.
Hoy propone un viaje fantástico por las entrañas del globo terráqueo, una radiografía de las fuerzas telúricas desatad Pero que el autor controla muy bien sobre el lienzo, logra un excelente equilibrio armónico del color y una exquisita calidad de las texturas como elemento expresivo. El resultado es una propuesta conceptual de gran impacto visual y estético.
El hombre, es de nuevo el objetivo en la mira de Roben Lizano. Con virtuoso dibujo crea una serle de retratos sobi cajas de cartón, que transforma con ayuda de un bisturí, c unos toques de acrílico y collage en un objeto de arte que sorprende pues busca un acercamiento de juego con el espectador.
ROBERTO LIZANO (1951, ALAJUELA, COSTA RICA)
Es irreverente, espontáneo, creativo, sincere original, valiente, en fin un verdadero artista. En 1985 Realiza una obra dentro de la corriente del arte matérico. Emplea cajas de cartón como soporte, además de acrilicos, pintura comercial, collage, lápices de color y de cera. En algunos casos, ha incorporado a sus "enormes rostros", aretes, collares, pañoletas u otro tipo de ornamento. Para Lizano, el cartón como material, no tiene las connotaciones de lo "pobre", como podría entenderse en otros casos. Simplemente es importante, en tanto que le sirve como recurso técnico, para esculpir, recortar o construir, dentro de un proceso lúdico y hedonista.
JOSE MIGUEL ROJAS
El tema del retrato es escogido también por José Miguel Rojas. Se trata de catorce cuadros de pequeño formato Inspirados en fragmento de un escrito de Marta Traba ".... idea del retrato está ligada con la Idea central de la vida y muerte"
Este género que desde el renacimiento experimenta un gran auge, debido a la creciente necesidad de mostrar su status y de inmortalizarse, en Rojas destaca como una perfecta unidad. Con un lenguaje contemporáneo, dentro de una sensibilidad expresionista que lo caracteriza, une esta investigación a sus reconocidas imágenes del poder. No hay ruptura, al contrario, su obra sigue siendo una clara reflexión sobre el hombre y transmite el drama humano con eficacia.
Realiza sus primeros estudios artísticos en la Casa del Artista (1973-1975) y posteriormente, en la Escuela de Artes Plásticas, de la Universidad de Costa Rica (1978-1983). Realiza su primera exposición individual Losinsepultosen 1984, sobre el tema del anonimato urbano. En esta muestra incluye, una instalación y varios objetos, combinados con pinturas, dibujos-collapes y poemas gráficos. Al año siguiente (1985), y como continuación del proyecto anterior, expone una serie de pinturas figurativas en donde recurre a la pintura de acción (action painting), el chorreo (drippin) y el tachismo.
A partir de 1987, se acentúa su inclinación hacia el expresionismo, esto dará como resultado, la serie en blanco y negro de las imágenes del poder (1989), partiendo de las imágenes reiterativas que difunden los medios de comunicación de masas, así como su pasión por la obra de Goya. A partir del 90, recurre a lo religioso como una extensión más del poder, en este caso, de dominación ideológica. Impresionado por el fanatismo religioso alrededor del culto mariano, llega a investigar y a introducirse en un mundo mágico como propio de la temática manierista y barroca, que será la pauta de su serie llamada Misericordia.
FLORENCIA URBINA (1964)
Escoge significados muy claros para lograr una comunicación masiva. Por lo tanto, al igual que en la tira cómica, concentra la acción, fracciona con arbitrariedad, transmite una visión esquemática de temas actuales en los que sobresalen famosos personajes de la política.
Urbina con gran lucidez e ingenio, se arma de una sólida capacidad crítica, para dejar constancia por medio de su obra, algunas veces de forma irónica, caústica o burlesca, su posición ante el acontecer económico, político o social mundial.
LEONEL GONZALEZ (1962, CHACON)
En sus inicios, se concentra en el paisaje de las costas y sus habitantes. A partir de 1987, cuestiona su temática, la renueva, y es, en ese preciso momento, en que aparece dominando la escena del cuadro, grupos de negros muy estilizados. Las escenas de estas obras, pintadas con un uso violento del color y la pincelada, dan la sensación de estar captadas a una cierta distancia. La siguiente etapa en la producción de Leonel González, arranca intensamente en 1988, sin apartarse del interés por esta temática "caribeña". En esta ocasión, hace partícipe al espectador de las conversaciones de sus personajes. Lo que anteriormente era sugerencia, en estas nuevas telas, percibimos el detalle de la ropa, las rosadas bocas de los negros y sus gestos, elementos que juegan un papel determinante en la composición y totalidad del cuadro. Leonel González cubre sus telas con grandes zonas de color empastado y recurre al dripping (chorreo), dando paso así, a la espontaneidad, conducta que asimila, observandp a los niños pintar.
Las gentes y paisajes de la zona atlántica, son los temas preferidos por Leonel González. Sus personajes se simplifican, se alargan, en suma se estilizan, como parte de una búsqueda constante del artista. Leonel se apoya en la realidad, la purifica, y propone una nueva posibilidad de comunicación; construye sobre un bastidor de grandes proporciones, un mundo de gran riqueza cromática y de texturas en que el espectador puede adivinar la iconografía propia del autor.
OTTON SOLIS (SAN JOSE, 1966)
En el año 1967, llega a Costa Rica la exposición Arte italiano contemporáneo que, incluye pintura de Alberto Burri y Giuseppe Capogrossi.
Estos artistas producen tal impacto en Rafael Ottón Solís, al extremo de provocarle a manera de fijación aquellos colores (rojo y negro) que aparecerán en su pintura como parte de su vocabulario plástico.
En 1972, inicia una investigación con plástico quemado retomando la influencia de Alberto Burri. Viviendo entre Valencia y Barcelona (1974-1975) llega a interesarse en la obra de los artistas del equipo Crónica y el equipo Realidad como con la obra de los artistas ma-téricos Tapies, Guinovart, y Millares.
De carbón y de sangre titula Ottón Solís esta instalación que presenta en los Museos del Banco Central. Con un lenguaje propio, una gran necesidad de comunicar y sensiblemente marcado por las vivencias de su infancia y adolescencia, Ottón Solís propone una obra litúrgica-mágica. Mezcla en la tela; el expresionismo abstracto y en la instalación la investigación del espacio y la perspectiva. Además agrega elementos naturales para obtener un objeto estético que lleva indiscutiblemente el sello de su personalidad.
Sin duda alguna, el espectador después de contemplar esta exposición, podrá constatar la existencia de múltiples propuestas creativas y participativas, al igual que una atomización de formas de expresión tanto formal como conceptualmente.
Precisamente este es el manifiesto plástico de Bocaracá: una coherencia que se mueve en la diversidad y en la diferencia. La consigna es de seriedad, investigación trabajo y honestidad; el resultado es una obra que mantiene la calidad y su propia individualidad.
ESCULTORES
JOSE SANCHO
En 1935 nace en Puntarenas, Costa Rica.
Dedica varios años de su vida a estudio y ejercicio de la economía.
Como parte de su educación artística autodidacta, visita México, Perú, India, Italia, Grecia, Rumanía (para conocer la obra monumental de Brancusi, quien es su principal inspirador), Argentina, Alemania, Asia Central, China, Egipto, Medio Oriente, Africa, la Antártica, las Islas Galápagos y la Isla de Pascua.
A partir de 1982 se dedica por completo al trabajo escultórico.
Ha realizado numerosas exposiciones individuales, la primera de ellas en 1975. En Jerusalén expuso en 1987. Fue invitado a exponer en la “Maison L´ Amerique Latine” en Paris, en 1989, y por invitación del Museo de Arte de las Américas expuso una obra monumental en Washington en 1990. En agosto de 1991 fue invitado a realizar un trabajo de características similares en Kirguizia, Asia Central.
Desde 1992 viaja periódicamente a Carrara, Italia, a laborar directamente el mármol en el estudio Nicoli y durante 1995 expuso en West Palm Beach, Bruselas y Ontario. En el año 2001 expuso en Chicago y en Lahr, Alemania y en desde año un conjunto de obras donadas al INBIOparque se expone permanentemente en sus jardines.
JORGE JIMENEZ DEREDIA
Jorge Enrique Jiménez Martínez (Heredia, Costa Rica, 4 de octubre de 1954), es un escultor y arquitecto de origen costarricense, mejor conocido como Jorge Jiménez Deredia. Habiendo comenzado su carrera en su país natal, Deredia se trasladó a Italia en 1976, país en donde ha desarrollado gran parte de su obra recibiendo aclamación internacional y privilegios únicos, siendo tal vez los más importantes el ser el primer escultor latinoamericano en colocar una obra en la Basílica de San Pedro, ubicada en el Vaticano, y ser el primer artista contemporáneo en exponer sus obras en el Foro Romano, entre otros sitios de la capital italiana.
Jiménez Deredia descubrió la escultura a los 13 años de edad, en el taller del Liceo de Heredia; fue ahí en donde se dio cuenta de que era capaz de crear algo.Unos años después, Deredia empezó a tallar retratos en trozos de madera y piedra, contando con el apoyo de los talleres artísticos del Conservatorio Castella, ubicados en Barreal de Heredia.
Poco tiempo después centró su atención en el desarrollo de las formas orgánicas y en el arte precolombino. Es en este momento donde se gradúa de secundaria y empieza a visitar frecuentemente la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica.El tema de la maternidad es recurrente dentro de la obra de Deredia. La maternidad en sus obras representa el desarrollo al tema de la fecundidad y el nacimiento; Deredia representa este tema a través de formas esencialmente orgánico-simbólicas, como la esfera, el útero y el seno.
LA ARQUITECTURA SALVADOREÑA
1) Toda la arquitectura salvadoreña ha estado sujeta a cambios, influenciada por los países como España en la época colonial, Francia después de la independencia y actualmente por Estados Unidos.
2) Los profesionales extranjeros son los iniciadores de las grandes obras notables.
3) No hay respeto de la arquitectura con el medio ambiente.
4) En la arquitectura salvadoreña no hay uso adecuado de tecnología.
5) Discontinuidad de los diversos promotores en la arquitectura.
EPOCA PRECOLOMBINA
Antes de la conquista española, el territorio Salvadoreño fue ocupado por pueblos indígenas los cuales nos dejaron un valioso legado arquitectónico, como lo son los sitios ceremoniales, aldeas, arquitecturas de viviendas, etc.
EPOCA COLONIAL
Se puede observar una arquitectura sin precedentes, influenciada por España con la construcción de grandes contrafuertes, con sus columnas salomónicas, sus altares y campanarios que a pesar de los años transcurridos aún se conservan en diferentes lugares de El Salvador.
ARQUITECTURA DE LA REPUBLICANA
La economía del país cambió gradualmente en la segunda mitad del siglo XIX, pues el añil fue sustituido por el cultivo de café como principal producto de exportación. La ciudad tuvo un cambio en sus edificios principales, cuyos diseños tuvieron influencias europeas.
Durante la administración del General Gerardo Barrios se construyó un Palacio Nacional con características Neoclásicas. Por otro lado, un hecho destacado fue la llegada del telégrafo en 1879. Sin embargo, cualquier avance en la infraestructura tenía como problema los habituales terremotos que han asotado la región. Contruccion de alcaldías, Teatros, etc
ARQUITECTURA CONTEMPORANEA
Algunos arquitectos que introdujeron la arquitectura contemporánea fueron: al Arq. Renato Romero, Arq. Manuel Enrique Alfaro, Arq. Angel Alfredo Alfaro, Arq. Oscar Reyes, etc. posteriormente hacia 1955 los arquitectos Lorenzo López Duke y Tony Elminger. También llegaron hacia la época del cambio de década los arquitectos Ernesto García Rossi, Arq. Ernesto Martino, Edmundo Kuri y otros. Todos estos arquitectos que poco a poco van llegando al país traen consigo un tipo de arquitectura, la contemporánea, que logra tener mucho éxito.
Existen, durante todo este período, muchas personas conservadoras en su estilo y de un gusto especial. Es por eso que encontramos obras de estilo clásico y semiclásico; realizadas la mayoría de ellas por el Arq. Ernesto De Sola.
Los siguientes lugares surgieron en la epoca contemporanea.
ARQUITECTURA MODERNA
Al referirnos a la modernidad en El Salvador hablamos, además de la arquitectura y el urbanismo, de la idea de modernidad que surge en los primeros años del período en estudio (1940-1960). El país se “moderniza” a través de la inversión en obras civiles como las carreteras y puentes antes mencionados, pero también de otras obras como las presas hidroeléctricas, la introducción del alumbrado público y el alcantarillado, que cambian el estilo de vida de miles de salvadoreños, especialmente en las zonas urbanas.
Nacen las Colonia Layco, Col. Costa Rica, Los primeros turicentros, Amapulapa, Los chorros, hoteles de montaña, Capilla Externado San José, Edificios UCA, etc.
Palacio Nacional de El Salvador
Época Republicana
(Foto tomada para el parcial)
Considerado el primer edificio de la República, también se le llamó “El Palacio del Café” ya que, a través de un Decreto Legislativo, se estipuló que por cada quintal de café exportado, se invertiría un colón por esa cantidad para levantar la obra. En total se utilizaron 50 mil colones.
El pórtico principal está compuesto por seis imponentes columnas que combinan con las estatuas de Cristobal Colón e Isabel la Católica, donadas por el Rey Alfonso XIII en 1924.
La arquitectura general de esta obra está definida por el estilo ecléctico el cual responde al orden jónico, corintio y romano de sus elementos.
Esta preciosa edificación conserva la mayoría de materiales que le conforman: la cristalería procedente de Bélgica, el mármol importado desde Italia y la madera procedente de El Salvador. Con el pasar de los años este sitio pasó en abandono por largo tiempo; sin embargo, fue declarado Monumento Nacional en 1980 lo cual impulsó a que se realizaran trabajos de restauración para rescatar este tesoro histórico, para abrirlo al público en el año 2008.
En su interior se vislumbra un precioso y amplio jardín central en el que se encuentra una vegetación variada. Destacan cinco araucarias que representan a las cinco naciones de Centroamérica. Como parte de los vestigios que se rescataron en el proceso de restauración del Palacio fue el piso original del primer edificio. También se mantienen expuestos tres cañones que fueron utilizados en una guerra comandada por Gerardo Barrios.
ARTES VISUALES DE HONDURAS
Considerado el primer edificio de la República, también se le llamó “El Palacio del Café” ya que, a través de un Decreto Legislativo, se estipuló que por cada quintal de café exportado, se invertiría un colón por esa cantidad para levantar la obra. En total se utilizaron 50 mil colones.
El pórtico principal está compuesto por seis imponentes columnas que combinan con las estatuas de Cristobal Colón e Isabel la Católica, donadas por el Rey Alfonso XIII en 1924.
La arquitectura general de esta obra está definida por el estilo ecléctico el cual responde al orden jónico, corintio y romano de sus elementos.
Esta preciosa edificación conserva la mayoría de materiales que le conforman: la cristalería procedente de Bélgica, el mármol importado desde Italia y la madera procedente de El Salvador. Con el pasar de los años este sitio pasó en abandono por largo tiempo; sin embargo, fue declarado Monumento Nacional en 1980 lo cual impulsó a que se realizaran trabajos de restauración para rescatar este tesoro histórico, para abrirlo al público en el año 2008.
En su interior se vislumbra un precioso y amplio jardín central en el que se encuentra una vegetación variada. Destacan cinco araucarias que representan a las cinco naciones de Centroamérica. Como parte de los vestigios que se rescataron en el proceso de restauración del Palacio fue el piso original del primer edificio. También se mantienen expuestos tres cañones que fueron utilizados en una guerra comandada por Gerardo Barrios.
ARTES VISUALES DE HONDURAS
Honduras posee una gran cantidad de arte precolombino, como podemos ver en el Copán, que es un sitio arqueológico de la antigua civilización maya ubicado en el departamento de Copán al occidente de Honduras, a poca distancia de la frontera con Guatemala. Del siglo V al siglo IX fue la capital de un importante reino del periodo Clásico. La ciudad estaba situada en el extremo sureste de la región cultural Mesoaméricana, en la frontera con la región cultural istmo-colombiana, en una zona habitada por pueblos que no pertenecían a la etnia maya.1 En la actualidad este valle fértil contiene un centro urbano de alrededor de 3000 habitantes, un pequeño aeropuerto y una carretera sinuosa.
En la ciudad de de Copán, Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, los antiguos mayas replicaron la naturaleza a través del arte. Construyeron pirámides como símbolos de montañas, plazas como lagos y portales como cuevas. Los artistas de Copán esculpieron las imágenes de la dinastía reinante en columnas de piedra para representar un “bosque de reyes”. La ocupación de la antigua ciudad duró más de dos mil años, con los logros más grandes llevándose a cabo entre el 400 y 800 d.C. El dominio de los mayas en la agricultura y el trueque de valiosos artículos como el jade, la obsidiana y otros recursos sostuvieron a la población que se estima de aproximadamente 28.000 personas. Muchos miles de descendientes mayas continúan viviendo en el el valle fértil del Río Copán en lo que hoy es Honduras. Copán es conocido por la cantidad y calidad de las esculturas en piedra comisionadas por la dinastía de 16 poderosos gobernantes. Por muchos siglos, Copán dominó la cercana ciudad maya de Quiriguá en lo que hoy es Guatemala, y sus historias están profundamente entrelazadas. Quiriguá era una productora poderosa de jade y Copán era su mentor y aliado. Inesperadamente, el 3 de mayo de 738 d.C., el gobernante más famoso de Copán, Waxaklajun Ub’ah K'awil, popularmente conocido como 18 Conejo, fue capturado y decapitado en la plaza de Quiriguá. A pesar de la ascensión de tres gobernantes más, la gloria de Copán nunca se restauró completamente luego de la muerte de 18 Conejo.
Esta pirámide escalonada está localizada en el Patio del Sol de la Plaza Principal. La investigación realizada por eruditos hondureños encontró que los monumentos en el Patio del Sol fueron diseñados por los antiguos mayas para facilitar las observaciones solares a través del año. Esta pirámide era usada para facilitar las observaciones de solsticios, equinoccios y pasos cenitales del Sol.
PINTORES HONDUREÑOS
Tradicionalmente se les llama 'pintores' a los artistas que practican el arte de crear cuadros, frescos y en general, decorar superficies de forma innovadora y artística. A partir del siglo XIX, con las nuevas técnicas fotográficas que permitieron retratos inmediatos y mucho más fieles, los pintores 'de profesión' se convirtieron en fotógrafos, o se reciclaron como ilustradores gráficos, bocetistas o caricaturistas, mientras que los pintores 'artistas' se empezaron a basar en su inspiración personal y no en el encargo de un cliente.
Dicha rama cuenta con personalidades de gran renombre que se han forjado un lugar dentro de la cultura hondureña, entre ellos se encuentran: Julio Vizquerra, Ezequiel Padilla, Maury, Benigno Gómez, Virgilio Guardiola, Arturo Luna, Juan Ramón Laínez, Marco Tulio Acosta, Antonio Velázquez, Carlos Garay, Roque Zelaya Acosta, Roger Silva Gómez, Henry Rivera, Delmer Mejía, Elías Díaz, Armando Lara, Miguel Ángel Ruíz Matute, Ciserón, y Luís Padilla.
Éstos amantes del arte se han decantado por utilizar una gran variedad de técnicas como ser: óleo, acuarela, acrílico, gouache, tinta, pastel y lápiz entre otros.
JOSE ANTONIO VELASQUEZ
(1906-1983) Es el pintor más importante que ha tenido Honduras. Este prestigioso artista hondureño fue además de pintor: escultor, fotógrafo, comerciante, y político.
Velásquez se hizo barbero, trabajo que desempeñó alternamente con el telegrafista. Fue precisamente este oficio, el que llevó a Velásquez a trasladarse como empleado a San Antonio de Oriente en 1931, un pequeño lugar, localizado a unos 30 kilómetros de Tegucigalpa; capital de Honduras. Velásquez llegó a amar tanto a este pueblo, por lo que éste, se convirtió en la inspiración de la mayor parte de sus obras. Además de ello, Velásquez fue alcalde del pueblo en tres períodos. En su oportunidad, José Antonio Velásquez fue considerado el primer pintor primitivista de América.
Como primitivista, "sus cuadros tienen, como es lógico, defectos de perspectiva, pero pintados con atención al detalle, con fidelidad al color y con simpática ingenuidad. José Antonio Velásquez falleció a los 77 anos de edad, el 14 de febrero de 1983, dejando un cuadro incompleto.
PABLO ZELAYA SIERRA
Pablo Zelaya Sierra , considerado el padre de la plástica contemporánea de Honduras, alcanzó ese tan honorífico título a pesar de vivir menos de cuatro décadas y sólo algunos pocos años en su país. Suma a sus méritos el haber nacido en un hogar pobre y haber logrado, a punta de becas, salir adelante con su vocación y sueños.
Nació en el Ojojona el 30 de octubre de 1896 en una Honduras convulsionada por problemas sociales. Se graduó de maestro de instrucción primaria y luego se trasladó a Costa Rica donde integró la Escuela Nacional de Bellas Artes. En los años 20 partió a Madrid, durante el reinado de Alfonso XIII, para estudiar en la prestigiosa Academia de San Fernando. Permaneció más de una década en la capital española y decidió regresar a Tegucigalpa, donde falleció un año más tarde, en marzo de 1933. Esos fueron los pocos hitos de la vida de este pintor con cuyo nombre se bautizó al máximo premio de artes plásticas de Honduras.
Pablo Zelaya está enterrado en el Cementerio General de Tegucigalpa en una tumba que permaneció por mucho tiempo en el olvido. Para perpetuar su memoria, la Fundación para el Museo del Hombre Hondureño mandó a esculpir un busto para que las generaciones actuales y las futuras recuerden a este hombre que dio tanto por el arte de su país.
CONFUCIO MONTES DE OCA
Nació en La Ceiba, Atlántida en 1896, fue hijo de Miguel Montes de Oca y de Josefa Acosta. Se incorpora desde muy pequeño en una compañía trashumante de titiriteros que recorría el país haciendo teatro en los pequeños pueblos enclavados en las zonas más ásperas de las montañas del país.
Confucio marchó a Europa mediante una beca concedida por la Dirección General de Aduanas de La Ceiba en 1919, subvención que le fue cancelada al año siguiente cuando el joven pintor estaba recién instalado en París. El cuadro ganador del Salón de Invierno de París es el titulado "El Forjador", una obra integrada dentro de las líneas del post-impresionismo, Confucio, harto de las extravagancias y exageraciones del Modern Style retorna al neoclasicismo de Ingres y Derain.
Sus figuras humanas tenían formas exaltadas por su belleza y armonía, utilizando colores transparentes. Se han perdido la mayor parte de sus obras, quedando muy pocas en colecciones. Murió en 1925, dos meses después de regresar a su patria. (Longino Becerra).
MAXIMILIANO RAMIREZ EUCEDA
Caridad, Honduras, (1891-1987 96) estudió en la Escuela Especial de Dibujo y Grabado de Madrid entre 1921 a 1927 (fue el primer becario de la cooperación cultural española en Honduras), impartió clases en la Escuela de Artes y Oficios y seguidamente en la Escuela Nacional de Bellas Artes (Honduras), retocó el escudo de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras, su tendencia era la pintura impresionista.
ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS (1940)
Hubo que esperar a los años 40 para que los artistas huyeran de la tradición, en gran parte como las actividades desarrolladas por la Escuela Nacional de Bellas Artes de Tegucigalpa (ENBA) fundada en 1940.
Su principal propulsor fue Arturo López Rodezno (1908-1975) educado entre la Habana y Paris. La mayoría de los artistas más respetados del país trabajaron en ella como profesores y directores de modo que la escuela se convirtió en caldo de cultivo para las generaciones venideras. Frente a la paralización cultural experimentada durante la dictadura de Tiburcio Carias (1932-1939), a partir de 1950 muchos graduados de dicha escuela recibieron ayudas gubernamentales para proseguir sus estudios en el extranjero.
A su vez fueron los encargados de introducir las corrientes contemporáneas en Honduras.
Uno de los primeros en explorar la abstracción fue un pintor autodidacto que jamás había abandonado Honduras durante los años 40, Ricardo Aguilar (1915-1951) experimento con estilos que abarcaban el expresionismo y la abstracción geométrica.
PROPULSORES DESTACADOS
RONI CARRILLO
Nació el 7 de agosto de 1944 en la ciudad de La Paz, departamento del mismo nombre. La escuela primaria la cursó en varios lugares de la República: su sitio natal, Tegucigalpa y Choluteca,. Los maestros que tuvo entonces no mostraron interés por su inquietud artística. Al contrario, algunos de ellos más bien reprimieron esas manifestaciones bajo el pretexto de que descuidaba otras asignaturas “de mayor importancia”, como matemáticas, ciencias naturales, español y otras. Hechos que recuerda con desagrado.
En Bellas Artes tuvo como maestros a Benigno Gómez, Dante Lazzaroni Andino y Mario Mejía. De todos ellos aprende numerosos principios y reglas, pero ninguno influye decisivamente en su estilo. Por ejemplo, cuando egresa de las aulas, y hasta 1980, pinta a su surrealismo estilo Giorgio de Chirico estimulado por unas láminas que vio del conocido pintor griego.
En su obra sus figuras son pobres, mal vestidas, descalzas, sin relojes de puño y si encajes, reflejan angustia, tristeza y, en algunos casos, desesperación, lo hace para denunciar, en forma paradojal, los casos de aquellos seres humanos que se hinchan de miseria, de dolor y desesperanza, es decir, fija su pupila en los hombres y mujeres “excesivamente infelices”.
DANTE LAZZARONI
Hijo de un inmigrante italiano, nació en San Francisco de Yojoa, Cortes, Honduras, el 7 de Julio de 1929. Entre 1945 y 1949 estudio dibujo, modelado, cerámica y Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras. En 1949 recibe una beca por parte del gobierno para realizar estudios de pintura, escultura y grabado en la Universidad de San Carlos de México donde se gradúa en el año de 1954 obteniendo una medalla de plata como Mejor Pasante de Pintor.
se dedico a la enseñanza habiendo sido Profesor destacado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Director de la carrera de Pintura de la Universidad Nacional Autónoma de Honduras y al mismo tiempo fundador de su propio taller y escuela de Pintura, habiendo promovido la creación del Taller Dante Lazzaroni que fue considerado como un momento decisivo en la actividad creativa del entorno y de encuentro fraterno entre dos épocas , de convergencia entre la experiencia y la exploración artística.
A lo largo de su carrera artística recibió muchos honores y reconocimientos internacionales así como el Premio Nacional de Arte Pablo Zelaya Sierra en 1984, el mas alto galardón que otorga el gobierno de Honduras a los artistas mas distinguidos que por su trayectoria , aporte a la cultura y herencia a futuras generaciones es considerado como uno de las mas claros exponentes de la plástica hondureña.
XENIA MEJIA
Nacio en 1958 en Tegucigalpa, Honduras
Realizó estudios en la Universidad Federal de Paraná, Brasil, en la Escuela de Wabre, Bélgica y Berlín, Alemania. Ella es conocida como uno de los artistas más notables de América Central para representar al tema de la “feminidad”.
Su estilo es pictórica, uso de marcas gráficas hechas con lápiz, tinta china y collage. La fuerza de sus marcas le da a su arte una única firma expresionista. Xenia Mejía ha tenido vasta experiencia internacional, participando en exposiciones prestigiosas con residencias recientes en Vermont y Taiwán.
RICARDO AGUILAR
Nació en 1915 y murió en el año 1951. Los estudios de dibujo y pintura fueron iniciados por el a partir de 1938 cuando el pintor español Alfredo Ruiz Barrera abrió una sección de Artes Plásticas en la Escuela de Artes y Oficios, de Tegucigalpa. Pero antes de eso y siendo aún bastante joven, practicó el dibujo en forma personal, de modo que podemos decir que en fechas tempranas hizo armas en las actividades artísticas.
Al fundarse en 1940 la Escuela Nacional de Bellas Artes por iniciativa del maestro Arturo López Rodezno, los mejores estudiantes de la Escuela de Artes y Oficios pasaron al nuevo establecimiento, entre ellos Ricardo Aguilar, Alvarado Canales y Roberto M. Sânchez. Allí continuó su formación profesional, ahora bajo la dirección sistemâtica del maestro Max Euceda, un hombre de mayor capacidad artística que el español Ruiz.
Ricardo Aguilar es, por lo tanto, el precursor del arte vanguardista en Honduras. Sus ensayos de expresionismo abstracto, geometrismo y hasta informalismo cuando en el país predominanban las tendencias realistas y figurativas, habla muy alto de sus impulsos creadores. Naturalmente, debemos decir que este artista hondureño no fue comprendido en su tiempo y que es hasta mucho despuês de su merte, quizá a la altura de los años sesentas, que se valora su aporte en el desarrollo de la plástica nacional.
AÑOS 70
TALLER MERCED
Durante los años sesenta un grupo de pintores, en su mayor parte graduados de la ENBA, se rebelaron contra el sistema cultural y promovieron una actitud mas contemporánea hacia el arte. En 1974, y bajo el liderazgo de Virgilio Guardado, una docena de artistas entre los cuales se hallaban Cesar Rendon (N. 1941), Mario Mejia (N. 1946) y Dino Fanconi (N. 1950) formaron el Taller de la Merced.
Asociación bautizada con el nombre del edificio colonial donde habían estudiado. Comprometidos social y políticamente, sus cuadros denunciaban en un estilo que a veces se ha definido como “expresionismo crítico” los conflictos y la represión impuesta por las dictaduras militares en los años sesenta y setenta. Por ese carácter de los artistas que forman la merced el taller se enrumba como eje central y socializador de las artes. supera en su momento al teum ya que en la merced convergen todos los artistas y sus propuestas; ya la música, el teatro, la poesía, fotografía, pintura escultura todo en ese espacio del TALLER LA MERCED todo moviéndose con un ritmo enérgico por un propósito, con un propósito con una y muchas razones. darle un gran revolcón al arte, al mundillo del arte tegucigalpense. Fundada por:
VIRGILIO GUARDIOLA
Nació en Tegucigalpa, el 7 de septiembre de 1947. Hizo la educación primaria en la Escula República Oriental del Uruguay. Durante ese período realizó las actividades que son comunes entre los niños: dibujar, pintar, etc.
Mostrando un sólido dominio del dibujo y del color, Guardiola realiza un arte de compromiso social, inseparable de lo ideológico-político. Los sufrimientos del pueblo, las humillaciones, la opresión, las injusticias, forman el núcleo de su obra.
LUIS H. PADILLA
Luis Hernán Padilla (1947-), hondureño. En sus inicios pinta paisajes pero es en las figuras humanas en las que encuentra su mejor modo de expresión. Su arte tiene un sustrato crítico que emana de una definida conciencia política y social.
ANIBAL CRUZ
Nació el 7 de agosto de 1944 en la ciudad de La Paz, departamento del mismo nombre. La escuela primaria la cursó en varios lugares de la República: su sitio natal, Tegucigalpa y Choluteca. Los maestros que tuvo entonces no mostraron interés por la inquietud artística de Rony.
En Bellas Artes tuvo como maestros a Benigno Gómez, Dante Lazzaroni y Mario Mejía. De todos ellos aprende numerosos principios y reglas, pero ninguno influye decisivamente en su estilo. Por ejemplo, cuando egresa de las aulas, y hasta 1980, pinta a su surrealismo estilo Giorgio de Chirico estimulado por unas láminas que vio del conocido pintor griego.
EZEQUIEL PADILLA
Nacio en Comayaguela el 14 de Septiembre de 1944.
Ezequiel no ha dejado de pintar dentro de la misma escuela e igual temática: La corrupción, el despotismo, la injusticia, la demagogia, el mercantilismo, el hambre, el desempleo, la opresión, etc. Su técnica es muy característica. Emplea colores puros en grandes planos, sin esfuminaciones; ademas deforma frecuentemente las figuras, a veces hasta los limites de lo monstruoso, para lograr mejor el proposito de la denuncia. La luz manejada de manera uniforme, son contrastes. A causa de todo esto sus cuadros no son decorativos; no estan hechos para adornar exclusivamente las paredes. Son mas bien algo asi como gritos de rabia contra la injusticia que rodea al artista y que lo hiere en lo hondo.
FELIPE BURCHARD
Nació en 1946. Es originario de Juticalpa, departamento de Olancho. No ha seguido estudios especiales de pintura, por lo que es un autodidacto en este campo, siéndolo a conciencia, pues desde muy joven decidió no incorporarse a ningun Academia. Como es esperable en un hombre de tales actitudes, su vocación artística se manifestó muy tempano, la que hubo de recibir el apoyo de su familia y sus maestros en la tórrida ciudad olanchana.
En la obra artística de Burchard se aprecia el empleo frecuente de diversos estilos, a veces incluso dentro de un mismo cuatro: el expresionismo, el impresionismo, el realismo mágico y el neofigurativismo. Sin embargo, cualesquiera que sean las líneas estilísticas adoptadas, en todos los casos la preocupación central del artista es la existencia humana y todo lo que la afecta. Se autodefinio como un pintor social.
DINO FANCONI
Dino Fanconi (1950-), hondureño. En su obra hay un acercamiento al cubismo y una potente expresión. El tema central es el ser humano, sus propios conflictos, y su relación con el entorno social.
VICTOR LOPEZ
Artista hondureño, realiza estudios de Profesor Graduado de Artes Plásticas, en el año 1966, en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Tegucigalpa, (Honduras), y obtiene el Diploma de Capacitación en Catalogación e Inventario de Bienes Muebles, en la Especialidad de Cerámica Precolombina, en el año 1990. Su pasión por el arte, es lo que impulsa a este artista a seguir perfeccionándose no sólo como artista sino también en otros terrenos del mundo del arte.
CESAR RENDON
(1941-), hondureño. Ha recorrido distintas etapas, llegando a un estilo figurativo de mucha riqueza de color en el que predominan las figuras humanas tratadas con expresividad emocional. También, ha realizado una buena cantidad de paisajes.
LUTGARDO MOLINA
Lutgardo Molina (1948-), hondureño. Es un pintor que comienza en el realismo y el impresionismo y , luego, se vuelca al surrealismo.
TALLER DANTE LAZZARONI
Si bien la presión gubernamental logro disolverlos en 1976, se reagruparon junto con nuevos miembros en el Taller Dante Lazzaroni entre 1982 y 1975, por separado algunos de estos artistas siguieron utilizando el arte como medio de protesta contra las atrocidades políticas y las injusticias sociales. Ello se observa particularmente en las imágenes sorprendentes y abiertamente criticas del pintor neoexpresionista Ezequiel Padilla (N. 1944).
Mientras algunas de sus pinturas como marginalidad de 1994 se refieren a conceptos en este caso las marcadas divisiones sociales en Honduras, otras imágenes ilustran situaciones específicas de la reciente historia hondureña.
Asimismo, el compromiso político y el comentario social son elementes inherentes al dibujo detallista y al expresivo cromatismo de Anibal Cruz (N.1943) los mismo puede decirse de sus títulos que hacen referencia a la violencia y la corrupción. Influido por la concepción espacial y anatómica del cubismo, el dramatismo de las primeras obras de Luis H. Padilla (N.1947) dio paso a composiciones mas moderadas y monocromas, dominadas por la figura femenina. Las imágenes simultaneas, superpuestas, y los significados secretos han sido una constante en la producción pictórica de Guardiola, aunque su estilo ha perdido agresividad con el paso de los años.
GUSTAVO ARMIJO
Nació en Comayagüela, Honduras. Estudios: Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras. Universidad Nacional Autónoma de México, México, D.F. Primer premio Salón IHCI no profesional 1970, Pintura. Mención Honorífica Revista Geomundo, fotografía. 2 Lugar en el Open 8 Arts & Crafts festival en fotografía, Miami, USA. 1978. Participa en II certamen de Centroamérica Museo de Arte Costarricense. Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Ha participado en varias exposiciones Colectivas a nivel nacional e internacional.
DAGOBERTO POSADAS
Nació en Lepaera, Lempira, Honduras
el 5 de Agosto de 1959. Pintor, caricaturista e ilustrador, es Maestro en Artes Plásticas, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1981. Ha participado en numerosas exposiciones pictóricas en el país y en el extranjero, también en muestras de la Asociación Nacional de Caricaturistas de Honduras, donde se le conoce por su fuerte trabajo en el campo del Dibujo Político; sus trabajos humorísticos han aparecido en diarios nacionales.
OBED VALLADARES
Nació en Yuscarán, el 4 de mayo de 1955. Escultor expresionista que pudo abordar con propiedad temas desde literatura nacional hasta lo histórico y lo étnico. Catedrático de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Realizó estudios de restauración y rescate arqueológico de cerámica precolombina y colonial en Panamá. Fue becado por el gobierno de Italia para estudiar en aquel país.
Sus trabajos fueron admirados en exposiciones personales, colectivas e industriales a nivel nacional e internacional, obtuvo premios a nivel nacional e internacional.
JESUS ZELAYA
Originario de la aldea Suyapa, donde sus ojos se abrieron a la vida el 8 de septiembre de 1954, sus deseos por abrazar el arte iniciaron cuando tenía 12 años y recién había egresado de la escuela primaria.
Sus aspiraciones también fueron motivadas por el destacado pintor nacional Carlos Garay (QDDG), a quien veía todas las tardes en la aldea de Suyapa crear paisajes.
Sus obras como escultor que hoy se exhiben en plazas y parques en varias ciudades del país hablan de su experiencia, en cada una ha dejado parte de sí mismo, con la intención que represente un enlace entre la cultura, el arte y el pueblo.
